EL CLAQUE

 

La historia del Claqué

El Claqué o "Tap Dance" en inglés es un estilo de danza de teatro americano, distinguido por el uso de la percusión con los pies, marcando precisamente patrones rítmicos contra el suelo. El origen del Claqué se encuentra la danza irlandesa el "Jig Dance", la danza inglés el "Clog Dance" y algunos movimientos de danza africana.


Durante el siglo XIX, los esclavos de los Estados Unidos del sur combinaron estos estilos para fomentar otros estilos folklóricos más modernos como el "Back-and-wing" y el "Clogging sur Estadounidense" (ambos se solían bailar con suelas de cuero).

Los bailes de los esclavos fueron adaptados por los teatros en 1828 a través de Thomas "Daddy" Rice y de sus actuaciones "The Jim Crow acts", primer show de "Minstrel" (género teatral estadounidense) protagonizado por un personaje negro.


Al final del siglo XIX, dos técnicas fueron introducidas en los espectáculos de malabares y dentro de las típicas actuaciones realizadas en los barcos (los "Showboats"), la primera: una técnica de danza rápida bailada con suelas de madera: el "back-and-wing" el estilo protagonizado a duo por Jimmy Doyle y Harland Dixon. La segunda técnica realzaba el uso de suelas de cuero, más suave, popularizada por el famoso George Primrose.

Es a partir de los años 20 que una placa de metal ("Taps") fue añadida a las suelas de cuero y durante los años 20 y 30, son los bailarines afro-americanos quienes contribuirán al desarrollo de nuevos estilos de claque. Estos se hicieron famosos gracias a sus actuaciones acrobáticas y a menudo satíricas.

John Bubbles fue reconocido por su estilo de claqué más lento y más sincopado. Los grupos de bailarines más conocidos durante aquella era, incluyeron "Slap and Happy" (Harold Daniels and Leslie Irvin) y "Stump and Stumpy" (James Cross and Harold Cromer).





Mientras la música jazz proporcionaba una complejidad rítmica adicional, Bill "Bojangles" Robinson se convertió en el bailarín de Claqué más famoso de América. El estilo fue ampliado durante los años 30 y los años 40, cuando bailarines tales como Fred Astaire, Paul Draper, Ray Bolger y luego en los años 50, Gene Kelly añadieron movimientos de Ballet o de danza moderna. Ellos juntocon Eleanor Powell y Shirley Temple convirtieron la danza claqué en un elemento fundamental del llamado "Sueño Americano".

 

A pesar de su fama en los Estados Unidos, el Claqué provocó una gran polémica especialmente de parte del público Afro-Americano ya que el Claqué era la representación inicialmente de una mofa de los primeros esclavos. Por este motivo, muchos Afros-Americanos protestaron el renombre del Claqué que se bailaba, y que incluso hasta los años 60 contuvo referencias irreverentes a la esclavitud afro-americana.


Durante los años 70 y 80, el Claqué experimentó un resurgimiento gracias en parte a un artista Afro-Americano, Savion Glover, quien popularizó el Claqué para otra generación revolucionándola para incluir ritmos de Hip Hop y el de Rap. Glover fue bautizado por los medios americanos, como el "hombre quien salvó al Claqué".

EL CLAQUÉ EN PELÍCULA

Muchas películas utilizaron el claqué para proporcionar el ambiente de alegría, el llamado "Slap-Happy" preconizado por el nuevo ideal americano de aquella época. Algunas de las películas más famosas que incluyen la danza claqué son:

"Brigadoon", "An American in Paris", "All that Jazz", "The Band Wagon", "Pennies from Heaven", "The Little Colonel", "Swing Time", "Hooray for Love".

En Broadway, el claqué se difundió en los teatros a través de grandes espectáculos tales como ""Black and Blue" and "The Cotton Club".

 

DANZA AFRICANA

 

Características de las danzas en África

En las sociedades tradicionales africanas, los acontecimientos se consideran como el asunto de todos, incluso si afectan más concretamente a tal individuo o a tal familia. Así existen distintos métodos para un individuo que consisten a expresar y exteriorizar lo que siente, la comunicación y la expresión están vinculadas de muy cerca.

Estos métodos resultan en una codificación de los medios de expresión. Estos comportamientos son codificados por normas que se integran desde la infancia. Los medios posibles son la música, los gritos, las palabras y las danzas, a los cuales se añaden a menudo materiales como plásticos ó otros por la presencia de máscaras y de distintos accesorios.

Las danzas en África son numerosas e distintas en las cuales corresponden a la diversidad y la multiplicidad de las regiones, de las etnias y a los diferentes países de África. Cada país de África se basa en una gestual y diferente rítmica para expresar cosas tan esenciales como el sentido de la vida. La danza es la manifestación del alma que se exterioriza de todas las situaciones personales o colectivas y así permite interpretar figuras vivas, difuntas, de animales o totémicas. La danza es en general dedicada a un ritual, a una tradición o a una divinidad.

Danza africana: descripción y estilos

Es una danza que se practica con los pies desnudos, con pasos deslizados o arrastrados, golpeando en lo tierra, con las rodillas dobladas y la espalda curvada (posición típica africana).

Se utilizan los golpes de manos, los gritos, los saltos y los movimientos de ondulación también. Es una danza que requiere una gran agilidad del cuerpo. Las especificaciones son:
Para los hombres: las acrobacias y los saltos.
Para las mujeres: los pasos deslizados con una gran agilidad de las caderas y posiciones siempre muy dobladas. La fauna inspira mucho estas danzas y consisten en una imitación de los animales. Por ejemplo: la danza del "conejo", esta danza se interpreta en "círculo" junto con solistas en el centro.


La observación y la imitación de los animales generaron toda una gama de distintas danzas (a veces sólo se trata de una marcha o de un movimiento específico) en las que encuentra a lo largo de la evolución de la danza jazz como el: "Fox-trot" el trote del zorro, "el Grizzly-bear" el oso Grizzly, "le Funky chicken" el pollo alegre, "el Buffalo" el búfalo, "el Turkey-hot" el pavo caliente, "Pigeon Wings" las alas de paloma, el "Bunny Hug" el besito del Conejo, "el Camel Walk" la marcha del camello, que inspiraron a James Brown y luego a Michael Jackson para tomar finalmente el nombre de "Moonwalk". La danza africana es centrífuga, como la danza jazz, en que va girando de las caderas para estallar hacia el exterior.

CAPOEIRA

BAILAR CAPOEIRA

Origen de la Capoeira

La Capoeira es un arte marcial brasileño que encuentra sus raíces en los métodos de combate y las danzas del pueblo africano del tiempo de la esclavitud en Brasil. Hacia finales del siglo 16s, centenas de esclavos llegaban al norte de Brasil, en los bosques de "Palmares" para estar sometidos a trabajar para los blancos.

Los esclavos estaban guardados en campamentos escondidos llamados "Quilombos". A raíz del tráfico de esclavos de ésta época se expandía en todo el norte de Brasil un arte claramente relacionado con la lucha de los negros por la libertad: la Capoeira.

El origen de las técnicas de la Capoeira se sitúa en Angola, una antigua colonia portuguesa. Se solía conocer una forma muy similar en todo el Océano Índico bajo el nombre de "Moringue" desde hace varios siglos, tanto en los gestos como en los ritmos. La Capoeira es un arte marcial que requiere mucho el uso de los pies debido a que los esclavos solían estar encadenados por las manos.



Al principio de la Capoeira, los movimientos eran muy cercanos al suelo (inspirados de los movimientos de los felinos) pero con la llegada de pueblos orientales con sus propias técnicas de arte marcial, la Capoeira desarrolló los golpes de pies y numerosas acrobacias. Sin embargo, no se sabe exactamente cuándo y dónde se practicó la Capoeira por primera vez a como lucha sin armas.

La Capoeira - una forma de arte subversiva

Mucha gente lo considera como arte marcial, otros como danza, y allí los que creen que es su religión e identidad cultural. La descripción de Capoeira varía según las personalidades de la gente. Es una palabra de origen indo-brasileña dada a una perdiz pequeña cuyo varón esta conocido por ser muy celoso y se engancha a luchas feroces con sus rivales. La Capoeira mezcla elementos de la danza, de la música, de los rituales, de la acrobacia, y de la lucha. Sin embargo, en Brasil, la Capoeira es considerada más que nada como un juego.

 

 

La Roda

Cuando se realiza la Capoeira, se suele hacer un círculo de gente, llamado roda (Rueda en brasileño). Se suele tocar música, y cada uno canta y aplaude mientras practican recíprocamente dos participantes en el centro. Referente a la música, el instrumento principal se llama el "Berimbau", es un instrumento fabricado con un palo de madera, un alambre tensado y una calabaza hueca que hace de cuerpo de resonancia.


También se utiliza un tambor llamado un "Atabaque" y un "Pandeiro" (pandereta).

La roda es la parte más emocionante de Capoeira. El juego de Capoeira requiere el uso de la intuición y de la previsión y no confía solamente en el uso de la fuerza física. Durante el juego los capoeiristas exponen hábilmente las limitaciones de sus opositores y enganchan a ataques juguetones y a contra-ataques que se permiten así mejor descubrir su energía personal. El desafío para el jugador es armonioso, junto con un flujo de gran alcance del equilibrio y la flexibilidad de las acrobacias, la tolerancia y la fuerza de la danza, la velocidad y la astucia de la lucha, y los ritmos de la música son los elementos

FLAMENCO

La danza y la guitarra son una consecuencia de la aparición de los espectáculos. Al principio, el canto es un asunto de hombres, las mujeres interpretaban la danza sobre todo. La búsqueda de los orígenes de la danza es tan compleja si no más que la de los cantes ya que sufrió ciertamente otras influencias.

La danza, lengua universal, cuyo alfabeto gestual se limita, evolucionó y es imposible decir con certeza a qué fuentes los intérpretes se inspirarón precisamente. Sin embargo, es posible, a pesar de todo, detectar en la danza flamenca tres influencias principales: Oriental y gitana; Folclórica y popular; Académica o clásica.

El flamenco nace en la región meridional de Andalucía como una forma de arte con raíces profundas muy antiguas dentro de una comunidad marginal y hostigada, en la que convivían gitanos, árabes, cristianos y judíos. En el siglo XVI se sumaron los ritmos de la población negra , que hacía escala en el puerto de Cádiz, antes de irse hacia las plantaciones americanas.

Aunque tenemos algunas pistas en cuanto y como la danza y música tradicional se desarrollaron, los detalles se pierden en la historia incluso el origen de su nombre es evasivo. Algunos lo atribuyen a los "courtiers" flamencos durante el reinado de Carlos V de España al principio del siglo XVI. Sus ropas brillantes inspiraron los nombres dados a las cosas chillonas y ostensibles. Otros dicen que el flamenco - todavía refiriendo a los flamencos - era la nacionalidad dada erróneamente por el pueblo a los gitanos. Otros todavía revindican el nombre como origen del árabe "fellah mangu" - el trabajador que canta.

Al origen, el flamenco no es más que el medio de expresar sentimientos profundos más bien que un espectáculo. La danza flamenca expresa estos diferentes sentimientos humanos tal como el dolor y la alegría, el amor y despecho, la calma y la desesperación representados por medio del movimiento. El bailarín del flamenco se realiza con la pasión, el fervor, incluso con expresiones torturadas pero siempre esforzándose para la tolerancia y dignidad.

 

Las características de la danza:

El flamenco es un arte que nunca ha dejado de evolucionar como danza sobre todo individual. Nació como danza " introvertida " en espacios reducidos, sin muchos desplazamientos, con una gran economía de gestos, con movimientos apretados dirigidos generalmente hacia abajo.

La danza flamenca está en oposición total con las danzas europeas clásicas extravertidas y dirigidas en sentido opuesto. Como el jazz americano, el baile flamenco implica la improvisación y la expresión espontánea del bailarín con las emociones del momento.

El intérprete controlará también las distintas técnicas de pies: "punteado" - "desplante" - "taconeo".

La danza masculina y femenina difiere en sus actitudes y las técnicas. La primera favorece el zapateado y el segundo el braceo. Las inclinaciones de cajón, ondulación de caderas y temblor de los hombros se dejan a las mujeres.

DANZA CONTEMPORANEA

 

Historia y filosofía de la danza contemporánea

La danza contemporánea se desarrolla a partir de final del Siglo XIX y tiene tantas definiciones que existe de coreógrafos, bailarines, profesores e incluso de alumnos ya que quiere ser sobre todo libre de todo código. Como su nombre indica, debe ser "Actual" y pertenecer al cuerpo que juega con su movimiento que mantiene a conciencia.

La terminología "Danza contemporánea hizo su aparición en 1976. Esta danza tiene como principal objetivo una total expresión del cuerpo, y de crear nuevas clases de danzas con lo cual todo está permitido para obtener una determinada estética. En general, la danza contemporánea se reconoce como una corriente libre de la danza.

Según Dominique Boivin, coreógrafo francés, la danza contemporánea es "su propia gramática, su propio vocabulario, su propia lengua". Rechaza la tradición, no es la tradición, no tiene tradición. La "danza moderna", que ha traído la danza contemporánea de hoy nació en occidente de una denegación de las normas demasiado rígidas de la danza clásica. También nació de una voluntad de encontrar otro cuerpo que la infligida por el trabajo de fábrica. Los precursores de la danza moderna son americanos y alemanes, se puede citar por ejemplo a Loïe Fuller e Isadora Duncan. Es cuando se suprime la gramática del baile clásico, que es necesario inventar otros. Cada coreógrafo, cada bailarín tiene su propia lengua, su propio estilo.

La danza contemporánea crea una ruptura con la práctica de creer, de pensar,de representarse. Desde la danza moderna, que chocó al principio al público por sus trajes, sus movimientos fluídos, libres y continuos, la danza contemporánea quiere ser una clase de alternativa de la representación del mundo, una reflexión, un cuestionario de los sentidos. La danza contemporánea rompe también algunas estéticas: por ejemplo, mientras que estamos acostumbrados a que se baile "sobre" la música, el coreógrafo americano Merce Cunningham trabaja con sus bailarines y con su amigo músico John Cage, sobre el "no acuerdo" entre la música y la danza.

La danza contemporánea no se cierra sobre sí misma, ella no duda en mezclarse con otras artes, como la imagen, la música, el teatro, la literatura, etc.. Este trabajo de composición es el fruto de encuentros entre coreógrafos y otros artistas, que tienen el deseo de mezclar sus conocimientos y técnicas.

El espectáculo de danza contemporánea, como en todos los espectáculos, pide al espectador una apertura de mente, como un viaje hacia otra parte. Cada acontecimiento bailado es un encuentro, entre un coreógrafo, bailarines, espectadores - niños y adultos, entre diferentes imaginarios y sensibilidades.

Libre, Lúdica y Creativa, exige también una técnica que se define por el reconocimiento luego por el control de las leyes de la naturaleza: el espacio, el tiempo - la energía - la gravedad, elementos fundamentales.

Disciplina del cuerpo y del espíritu, la danza contemporánea es colectiva y despierta la habilidad de escuchar a los demás, mientras la utilización de músicas variadas, para acompañarla, permite desarrollar una sensibilidad musical.

Es también un fabuloso camino de educación, y por su creatividad una puerta abierta hacia el autoconocimiento.

BALLET

Historia del Ballet y terminología

LA DANZA CLASICA o BALLET

La danza clásica nació en el siglo XV en Italia y fue difundida gradualmente al resto de Europa y en diversos países. El origen del ballet puede ser considerado durante la época del "Renacimiento".


Catherine de Médicis quien pertenecía a una familia importante de Florencia fue la primera en introducir los costumbres de las fiestas italianas con sus tipos de baile. Desde entonces, se desarrolló lo que conocemos como Ballet o Danza clásica en la corte de Francia tras la conversión en reina de Francia de Catherine en 1547.


Después de su éxito en Francia en los lugares públicos, el ballet empezó a llegar a otros países de Europa introducidos por los bailarines franceses y luego en el resto del mundo. Paris se convirtió entonces en la capital mundial de la danza clásica.


El ballet consistía en danza, música, canciones y a veces en poemas. Las actuaciones tenían lugar en los jardines o dentro de los castillos. A comienzos de siglo, las mujeres consiguieron un papel cada vez más importante en el ballet. Los hombres usaban zapatos con tacones platos y trajes livianos que facilitaban sus movimientos.


La danza constituye la base de muchas danzas profesionales con sus técnicas de colocación y de base, las cuales se vuelven a encontrar en la danza jazz y en otros tipos de danza. Los términos del Ballet son más conocidos en el idioma frances. Debajo encontrarán los más usuales

Danza del Vientre - Oriental - Tribal

 

ORIGEN Y DESCRIPCIÓN DE LOS DIFERENTES ESTILOS DE DANZA ORIENTAL

El nombre de "danza del vientre" fue atribuido por los occidentales en el fin del siglo 19 por los soldados y tropas francesas para designar el tipo de baile visto en los clubes que frecuentaban durante sus descansos.

En día de hoy, ese nombre peyorativo, inventado por ignorancia, se refiere al "Raks Sharqui", danza profesional oriental nacida en Egipto en los años 50 sobre la influencia de coreografías occidentales con estática Hollywoodiense.

Hace muy pocos años que la danza "Raks Sharqui" fue reconocida como "danza" propia internacionalmente.

La base viene del folclor del Medio Oriente en el que tiene como punto en común la flexibilidad de las caderas en los bailes, una combinación de movimientos fluidos y secos. Sin embargo en la danza tradicional, el Raqs baladi, que proviene directamente del folclor, es un solo femenino, un tipo de danza "blues" que expresa la nostalgia del país (Beled) por la vida ciudadana. El Sharki es un estilo creado por los cabarets que tiene muy poco que ver con los orígenes de la danza de los países de Medio Oriente

La danza oriental ha sido conocida en Occidente gracias a la Exposición Universal de Chicago de 1893 por "Little Egypt" y empezó entonces a difundirse en los Estados Unidos. La danza oriental influenció a la danza contemporánea a través del trabajo de Ruth St Denis y se convirtió en moda en el Occidente hasta el día de hoy.

En árabe, se llama « Raks Sharqui » (literalmente: danza oriental) y en turco « Oryantal dansi », que dio el término de danza oriental. Se reconoce como una de las danzas más antiguas del mundo sobre todo en los países del Oriente Medio y del Magrebí (Egipto, El Líbano, Turquía, Marruecos, Argelia...).

En el sentido estricto, se trata de danzas sabias, realizadas por bailarinas profesionales, ALMEES, aun que no sea claro si una Almee bailaba o solo cantaba en los cortes del Oriente. Las verdaderas profesionales, bailarinas de calle y de los "clubs" fueron las GAWAZYA, que hicieron parte de grupos ambulantes de músicos y animadores, probablemente de origen gitano.

En Egipto, « ghawazi » significa invasor o extranjero, y es cierto que los gitanos siempre han vivido en la periferia de las ciudades y al margen de la sociedad. Todos los gitanos del mundo tienen un origen común, la India.

En sentido amplio, el término designa la danza oriental bajo todas las formas que se conocen hoy.

La danza oriental cuyo arte expresa a la vez toda la feminidad, la vitalidad y la sensualidad, pero no es la exclusividad de las mujeres. Los mejores maestros, bailarines y coreógrafas de Egipto son los hombres. La danza clásica Egipcia se realizó en un escenario con Mahmoud Reda y sus célebres coreografías para el cine y para escenario. Es el fundador del ballet nacional del Cairo.


La danza del vientre es única en su clase. Existen varios estilos, dependiendo del país de origen (como la danza de Velo). De manera general, esta danza se caracteriza por la flexibilidad y la sensualidad de los movimientos. Además, esta compuesta por ritmos tan trepidantes como lascivos.


La práctica de la danza oriental, hizo su entrada en Europa y América en los cabarets en medio de los años treinta y cuarenta. Desde aquella época, y sobre todo desde los años noventa, esta danza ha conocido un desarrollo fulminante en todo el mundo.